C'est début janvier que le ballet royal de Suède viendra danser " Juliette et Roméo " - titre inversé par Mats Ek lui-même.

Il a créé ce ballet il y a deux ans sur un montage musicale de pages  de Tchaikowki  ( qui n'a composé qu'une ouverture sur ce thème) - à noter que Berlioz a écrit lui aussi une symphonie absolument sublime et très méconnue! -

Comme toujours avec Mats Ek, la spectatrice que je suis risque d'être " ébouriffée" au passage; les émotions seront sans doute grinçantes, douleur et plaisir portées à leur paroxysme, l'intensité du désir de vivre ou de mourir frisera la folie, le tout coulé dans une chorégraphie où les corps se déployent et se recroquevillent sans cesse, bondissent et rampent.... et inventent un langage qui révèle les profondeurs de la psyché de chaque personnage.

Mats Ek, c'est le créateur génial de  Appartement, de Giselle, de Smoke, de la Maison de Bernarda, Une Sorte de, oeuvres fortes qui livrent au delà de l'esthétisme un propos qu'on emporte avec soi et sur lequel on réfléchit longtemps

J'y serai le 15 janvier....

En attendant, une video de présentation

Boléro

On ne peut évoquer Boléro sans aussitôt voir Jorge Donn, sa démesure et son génie envahir tout l'espace d'un film de C Lelouch.

   Le Boléro  de Béjart est une oeuvre qui peut être dansée par un homme ou une femme. 

  Boléro fait partie de ses oeuvres universellement connues... et souvent mal comprises. Elle avait été composée pour Ida Rubinstein, en 1932,qui, sans être une grande technicienne, avait ce quelque chose d'unique qui illuminait la scène, un vrai charisme.

Béjart s'en est emparé et a créé une oeuvre étonnante.

L'oeuvre de Ravel utilise plusieurs " ingrédients" qui la rendent envoûtante. Deux phrases musicales, très longues, toujours répétées deux fois, l'une jouée en majeur et l'autre en mineur, se déroulent  tout le long de l'oeuvre, soutenues par une   rythmique obsédante, base de cette danse espagnole : immobilité et mouvance créent l'ombre et la lumière de l'oeuvre. Le deuxième thème est plus oriental que le premier, tout entortillé sur lui même. Il évoque presque un serpent sortant de son panier!  La flûte fait une entrée   doucement lumineuse, puis tour à tour les bois entrent, jusqu'à l'irruption étonnante du célesta...  peu à peu, quelque chose d'impétueux, de sauvage va s'emparer de l'orchestre... cela est très net après l'entrée impérial des violons, rendus fougueux par leur longue attente. Le trombonne, ironique et décalé,  y va de son solo un peu jazzy, le hautbois, tout languide,   de son ton un peu triste, toujours si élégant et mélancolique,  le saxophone apporte une touche stylée inattendue, une chaleur inattendue. Peu à peu, tout l'orchestre s'empare de ses deux phrases, si longues, qu'il est difficile de les retenir vraiment... il manque toujours une note quand on les chante...

Cette fièvre qui monte,  et qui emporte l'auditeur jusqu'à une extase sauvage, Béjart a parfaitement su la transcrire en pas et mouvement

Monotone, Boléro?

non, plein de mystère, de fougue, de poésie, de scintillement, d'humour... Boléro se déroule comme un ciel infini et immuable où passent les nuages... toujours les mêmes mais aux formes sans cesse renouvelées...

Quand à la chorégraphie...

Un homme/femme danse sur un table ronde, au milieu d'un groupe de danseurs. Au fur et à mesure de l'entrée des instruments, les danseurs autour de la table interviendront.

On peut imaginer toutes sortes de choses : une corrida avec mises à mort, un rite sacré très ancien... l'oeuvre peut se livrer aux débordements de l'imagination de chacun.

La danse commence par le jeu du bras qui se lève et s'abaisse... mais peu à peu, elle va devenir sensuelle, violente, sauvage, jusqu'à la possession du danseur par la musique... Le corps se balance, les hanches se meuvent avec sensualité, le buste frémit, le corps tout entier est pris par le rythme lancinant du Boléro et la passion de l'orchestre.

Par ailleurs ce qui fait la magie de Bolero est l'aspect féminin/ masculin de la chorégraphie

Les jeux de bassin sont féminins, lascifs parfois, avec une utilisation très orientale. On trouve des accents, des déhanchements, des ronds de bassin dont l'accent se finit sur le côté.  Ce sont presque des emprunts à la danse orientale. L'un des pieds est à plat, l'autre demi-pointe qui induit cet oscillement du corps sur lui même.

Même chose pour le buste qui utilise ( mais pas du tout comme Graham) les contractions et relâchement.  Le balancement du corps, son oscillation, le jeu des bras, tout cela est fluide, souple, du domaine du féminin. Les bras serpentent, les mains et les poignets aussi.

En opposition, la présence des garçons,  le travail de leur buste, la force qui se dégage de leur attitude, de leur pose, leur nombre, apporte un élément masculin puissant.Parfois, la Grèce et ses fresques s'équissent un instant...

Le soliste doit à la fois puiser dans sa féminité pour apporter l'élément " oriental" de la danse, et dans sa force pour, déjà, tenir les quinze minutes, et surtout pour que les sauts, les battements, les jetés de bras, les expressions du visages soient fougueux, passionnés, pleines de force, ce que par exemple Plissestkaia ou Guillem réussissent merveilleusement bien que femme.Sans parler d'Elisabeth Ros sensuelle et guerrière tout à la fois.

Ce double aspect féminin/masculin dans cette chorégraphie est sûrement l'un des aspects le  plus fort, le plus troublant, et qui donne ce côté hautement érotique à l'oeuvre.

Cöté garçon, Donn lui donnait son érotisme, son génie, sa sensualité un peu folle,  Leriche, son érotisme,  sa puissance, tout en y exaltant sa féminité.

Plissestkaia apporte sa ferveur presque mystique. Guillem, une forme de domination dont elle se joue, dont elle s'amuse.

Savez vous que ?

d'une version à l'autre, Boléro dure de 13' 55 minutes à 16'02...

C'est l'oeuvre la plus jouée dans le monde.

Histoire à suivre!.....

Cendrillon de Noureev est un drôle de ballet ; créé sur mesure pour Guillem par Noureev, il avait été capté en 1987 avec Guillem – Loudières- Guérin – Jude  et Noureev lui-même dans le rôle du producteur. Jamais, hélas, réédité en DVD, alors que la captation est superbe !

J’ai usé cette VHS ; Guillem, 22 ans, y  incarne une Cendrillon modeste et douce qui désire coûte que coûte devenir actrice ; pas par rêve de gloire, car l’on sent la jeune fille rêveuse et simple, mais parce que viscéralement, c’est une vocation… Guillem a ce talent inouï, de faire comprendre qui est son personnage en profondeur et ce qu’elle veut : cette vocation   lui permet d’accepter la dureté de sa vie ; douce, gentille, généreuse, elle est maltraitée par ses sœurs et sa marâtre et ne parvient pas à arracher son père à l’alcool. Aussi,    près de l’âtre, elle déplie l’affiche du Kid de Chaplin pour se réconforter, car l’amour du 7^ème art qu’elle a chevillé au corps l’aide à tout surmonter… grâce au producteur qui atterrit «  par accident » chez elle, ce rêve se réalise, le producteur jouant le rôle  providentiel de la fée : parée comme une reine, elle s’y rend pour tourner un bout d’essai. Sa descente du grand escalier (comme dans les comédies musicales américaines) entourée de photographes qui d’instinct devinent en elle la star en puissance est un réel moment de poésie.  Sauf que, elle est portée par les photographes et deploie ses jambes en grand jeté, comme si le rêve ne s'était pas encore véritablement réalisé. Là, elle fait la connaissance d’un jeune premier dont elle tombe amoureuse, mais se voit contrainte de quitter les studios, car les "heures sonnent" et lui intiment l’ordre de retourner chez sa marâtre. De retour dans son logis,  elle n’oublie rien de ce qu’elle a vécu. Son corps se rappelle tout ce qu’elle a appris et elle se met à danser, comme dans un état second,  une serpillière à la main ; elle se reprend, mais quelques instants plus tard, elle recommence… d’ailleurs,  tout au long de l’œuvre, Guillem  se montre intense, espiègle, douce, généreuse, consolatrice,  poétique, glamour, star radieuse,  et bonne à tout faire…  à 22 ans, c’est une actrice née, qui sait utiliser merveilleusement sa technique pour mettre son âme à nu.

Noureev bien évidemment a glissé une bonne dose d’humour dans ce ballet ; il s’y est beaucoup amusé ! Les rôles des « méchantes » sont comiques ; pas questions de tomber dans le «  vérisme » ! En devenant la bonne fée providentielle de Cendrillon,  il déclare  de cette façon  à Guillem qu’il adorait «  j’ai été ta bonne fée, grâce à moi tu es devenue étoile sans en passer par tous les degrés imposés par l’opéra de Paris ». En dansant lui même le rôle du producteur, il dit aussi au public : « voilà, je rends toute sa  magie, toute sa force et sa beauté à l’opéra de Paris, pour le remercier d’être mon port d’attache, moi qui suis un exilé »

A leurs côtés, Guérin et Loudières incarnent les deux sœurs bêtes et méchantes : l’une est teigneuse, raide, disgracieuse à souhait ; l’autre sotte, «  godiche », molle comme une guimauve ; leur duo est inénarrable ! Elles prennent des cours de danse pour se préparer à leur audition dans les studios auprès d’un professeur qui s’arrache les cheveux devant tant d’incapacité ! Leur duo comique est vraiment à hurler de rire si c'est bien dansé, surtout lorsque le professeur vient chez elles et qu'elles se mettent à la barre.

Petite aparté : c’est étrange de voir que l’une comme l’autre ne sont pas  à l’opéra de Paris actuellement pour y transmettre tous ces ballets qu’elles ont si bien dansé à leur tour ; pourquoi ?

 Le rôledu professeur aussi est comique, mais il faut beaucoup de finesse pour l’interpréter.  Ce professeur précieux s'arrache les cheveux de désespoir devant l'incapacité des deux soeurs et devient tout feu follet devant le talent de Cendrillon quand elle danse dans les studios.

Pour séduire le jeune premier, tour à tour, les soeurs le tirent par le bras, et le malheureux se retrouve écartelé entre les deux demoiselles, sous les encouragements de la mère, rôle tenu par un homme (qui souvent s’en donne à cœur joie et fait des pointes avec délices !)   

Charles Jude joue le rôle du jeune premier ; charisme, technique sublime, beau visage, on ne peut rêver mieux ! Ses pas de deux avec Guillem  sont fascinants de poésie, de «glamour » de références au cinéma hollywoodien.

Cette version décalée de Noureev laisse la part belle au comique inspiré des films des années 30 : on se dispute, on se giffle, on se querelle, on se réconcilie.     King Kong, les « musicals » avec Fred astaire et Ginger Rodgers,   Metropolis,   Buster Keaton,   Chaplin  Ziegfield et ses revues et   tant d’autres sont cités avec humour, amour ou poésie… On rit beaucoup dans Cendrillon. Et quand Guillem danse, le souffle se suspend !

Outre le trio sœurs-mère, un autre trio anime les studios de cinéma : producteur, assistant, metteur en scène, qui se chamaillent sans cesse comme des chiffonniers ! Là aussi, clin d’œil à l’un des films de Buster Keaton où l’assistant est maltraité par le réalisateur !

Noureev qui est arrivé en Occident en 1961 n’a eu qu’une envie : rattraper son «  retard » en matière d’art et de culture ; en URSS, il était impossible d’accéder aux œuvres américaines et à la plupart des œuvres occidentales ; il ne dormait que deux ou trois heures par nuit, à ses retours de spectacles et de fête, et là, il consacrait le reste de ses nuits à lire, à aller au cinéma, ou à découvrir des livres sur des peintres, des artistes de tout genre ; on raconte qu’à un dîner, apprenant qu’un film qu’il n’avait jamais vu passait au cinéma d’à côté, il a quitté la table, est parti voir le film, puis est revenu

Ce côté excessif se retrouve chez Guillem d’une autre façon : elle ne fait les choses que si elle est convaincue par ce qu’elle fait à 300 cent pour cent

Cendrillon n’est donc pas le ballet «  niais » qu’on peut croire, mais un véritable hymne à l’art comme moyen de dépassement de sa condition première. Noureev comme Guillem le savait dans toutes les fibres de leur être l’un et l’autre.

Les décors montre l’intérieur d’un « bar » très art nouveau  (métal et verre comme le grand Palais) qui sert de cadre de vie à la famille de Cendrillon ; pour les studios de cinéma, une horloge digne des Temps moderne de Chaplin se dresse derrière le grand escalier qui a fait dire à plus d’une starlette «  l’ai-je bien descendu ? » ; au dehors, des gratte-ciels comme ceux qu’on voit dans Métropolis élancent leur sihouette vers le ciel.

C’est avec ses images en tête que je m’apprêtais à revoir ce ballet. J’avais réussi à avoir des places pour Leriche et Gilbert, qui, seuls, m’avaient donné envie de revoir ce ballet.

Deuxième partie sur le compte rendu de Cendrillon 2011 à la suite!

Un nouvelle émission télé consacrée à la danse?

Nicolas Leriche remonte ce ballet pour la seconde fois; Caligula avait été créé en 2005 à l'ONP, avec dans le rôle titre Mathieu Ganio et Jérémie Bélingard, en alternance... 

Samedi dernier, il y avait une répétition publique à l'amphithéâtre de la Bastille... ces répétitions sont toujours des moments privilégiés pour les balletomanes... ou pour les amoureux de la danse tout simplement. L'amphithéâtre est petit, convivial, permet une proximité avec les danseurs et les chorégraphes... 


Ces répétitions publiques sont souvent l'occasion pour le chorégraphe d'expliquer son travail, ses intentions au public, et aussi de montrer comment se passe une répétition en studio...
Et c'est souvent cette partie là qui est là plus interessante : lorsque les mots se taisent pour laisser la place à la danse

Cette répétition était filmée car Brigitte Levfèbre aimerait lancer une nouvelle émission télévisuelle pour toucher un public plus vaste : ceux qui finalement méconnaissent la danse et ne viennent donc jamais voir des spectacles ni à l'opéra ni ailleurs...  j'ose espérer que cette émission verra le jour car la danse n'a plus droit de citer à la télévision depuis longtemps...

Un travail réglé au milimètre près

Pour cette première répétition filmée, il y avait bien sûr le danseur-chorégraphe et aussi Nicolas Paul et Aurélia Bellet.
Tout deux se sont prêtés comme bien souvent à ce travail intimidant devant un public... Nicolas les corrige, rectifie un chemin, une position de bras, de main, explique le ressenti intérieur, etc...

C'est toujours passionnant de voir comment un mouvement passe d'un corps à un autre, ce qui change ( surtout du corps d'un garçon à celui d'une fille)... 
Les danseurs ont répété des passages de Caésonia, la première femme de Caligula, notamment une scène de la Bacchanale,  quelques passages de Mnester, et des suivants... la bacchanale dansée par Caesonia m'a rappelé des figurines de Bacchus peinte sur des vases antiques... elle en avait en tous cas l'esprit...

Nicolas a expliqué que le livre de Nietzsche sur la tragédie l'avait beaucoup inspiré dans sa conception de l'artiste dyonisiaque et apollinien, et qu'il avait créé deux styles en fonction de ces polarités... 

Il a ausi longuement expliqué comment s'était construit son ballet ( à partir des lectures sur Caligula qui l'ont amené à en avoir une vision horizontale- Caligula avait un pouvoir total sur l'Empire et pouvait frapper là où il le voulait en un temps record - ce qui l'avait conduit à imaginer un vocabulaire de danse près du sol, qui s'allonge dans les déplacements ... il a insisté pour dire que le ballet était un portrait de Caligula tel qu'il se l'était représenté et non un ballet sur la vie de Caligula...

Il n'hésite pas aussi si besoin est à modifier sa chorégraphie pour l'adapter au danseur qu'il fait répéter.
Il y avait notamment une très longue phrase dansée par Nicolas Paul qui a subi sous nos yeux des transformations...

Changer le regard

Ces répétitons sont passionnantes dans la mesure où elles permettent d'entrer plus profondément dans une oeuvre... 
est ce que cela change le rapport à l'oeuvre?
Oui, parce que lorsque l'on a une connaissance plus intime d'une oeuvre, des connexions se font dans notre esprit qui sont de l'ordre de l'affect... un peu comme une personne qu'on aime d'autant plus qu'on la connait de mieux en mieux...
Et ce travail de transmission de la danse est émouvant à voir car si fragile : tout repose sur la confiance, la mémoire du corps....

sur le site de l'opéra : article

Médée Angelin Preljocaj, une oeuvre qui hante




J’aime quand les œuvres me hantent…quand elles habitent mon esprit à mon insu ; quand elles vivent en moi, comme des passagers clandestins, qui parfois, montrent amicalement leur visage… ces oeuvres là me nourrissent aussi sûrement que l’air, l’eau, le soleil…
 La Guerre et la paix de Tolstoi, le film éponyme de Bondartchouk, Giselle, ou Hurlevent, les Heures, de Cunnigham font partie de ces œuvres qui se sont implantées en moi, et qui surgissent d’une manière inattendue, dans mes pensées. Le songe de Médée de Preljocaj vient de les rejoindre…. 

Un drame épuré

D’une sobriété surprenante, cette œuvre n’en est pas moins d’une intensité dramatique presque insoutenable… Il s’agit bien d’un « songe », et pas du drame « Médée » comme l’a conçu Euripide… et cette nuance est d’importance car le spectateur peut faire plusieurs lectures de ce ballet, tout comme les danseurs le peuvent aussi en l’interprétant. 
Tout le drame se resserre autour de cinq scènes dansées par trois personnages et deux enfants. En quarante minutes, tout est joué : Prejlocaj n’a pas dilué son propos dans une œuvre où le corps de ballet aurait par exemple joué le rôle du chœur, comme dans les drames antiques, offrant alors un ballet de facture plus classique en deux actes. 
Tout va vers l’essentiel, vers l’épure : les décors, où les sceaux suspendus, peints sur les rideaux transparents ou sur le fond de la scène où encore déposés au sol délimitent l’espace et crée de la poésie là où on ne l’attend pas : Médée verse du lait dans les sceaux et les enfants viennent laper ce lait comme des petits chats. Plus tard, comme dans la vision hallucinée de Wozzeck, le lait sera sang, folie, ou eau qui ne pourra faire disparaître les traces du crime. La lumière, qui sculpte les corps à l’antique, est travaillée avec subtilité dans des tons bleus-dorés.



 

Liberté, interprétation, lecture

Les costumes, noir, rouge, argent ou doré, longs, fluides, portés pour l’entrée de Médée puis de Jason conviennent à un roi et sa reine. Le long manteau sert de cape aux enfants, de cachette, de couverture, de sépulture… la robe sera rejetée avec la trahison de Jason : Médée n’est plus une femme. Pour son entrée, Créüse porte une robe courte et très fluide qui dénude son dos et ses épaules… 

Ce qui donne sa grande force au ballet, c’est la possibilité qu’ont les interprètes de colorer, chacun avec sa sensibilité propre, le propos du chorégraphe : Ainsi, en fonction des danseurs et des danseuses – Médée, Jason, Creüse – la mère infanticide apparaît soit comme une femme implacable, qui a tout prévu d’avance par vengeance, autrement dit comme un monstre, soit comme une femme qui perd la raison lorsqu’elle voit la trahison de Jason, soit comme une femme ivre de douleur qui se punit elle-même et se tue en tuant ses enfants… Les rapports entre Médée-Jason-Créuse changent eux aussi ; Médée face à Jason peut être hiératique, folle d’amour, mère avant tout, ou amante, forte face à Créuse sa rivale ou ne faisant pas le poids… Il suffit de voir les interprêtes (Gillot, Letestu, Moussin, Cozette pour Médée ou Hilaire, Romoli, Bullion pour Jason, et encore Renavand, Zusperreguy, Abbagnato pour Créuse) pour comprendre que le drame qui va se jouer n’est pas mis en branle par les mêmes motifs psychologiques… A chaque fois une lecture est possible. 
Là se révèle la grandeur du chorégraphe qui peut laisser cette latitude et aux danseurs et aux spectateurs sans que son œuvre ne s’en trouve réduite ou amoindrie. Elle est mise en espace par la musique de Mauro Lanza qui avec un grand sens de l’économie créée des séquences entières, pleines de poésie où le temps se suspend, ou pleines d’inquiétude avec ses notes tenues où couve une menace. Lorsque la fureur éclate, attendue, les instruments explosent et le drame s’achève... 
non, le drame ne s'achève pas, parce que après l'infanticide, il y a le vide...




Une oeuvre humaine

Ces œuvres là hantent longtemps parce que l’humain y a sa place tout entière… derrière la tragédie, derrière les racines grecques du drame se cachent des êtres  humains, fragiles, dépassés par leurs actes car manipulés par les Dieux  ( pour les auteurs Grecs)  ou leur Inconscient, ce qui au fond revient au même. Les shivaïstes ne disent-ils pas que les Dieux se nourrissent des Humains, comme les Humains se nourrissent des animaux et des plantes, qui elles-mêmes, etc… ? 

L’économie de moyens ( peu de danseurs, de costumes, de décors) ne retire rien à la force, aux émotions, qui traversent toute l’œuvre : amour maternel, innocence, amour, désir, séduction, plaisir, jalousie, inquiétude, colère, haine, rivalité, vengeance, folie, meurtre, douleur, regret, vide… une multitude d’émotions déferlent sur les trois protagonistes et sur les spectateurs qui redoutent et craignent le dénouement : bien qu’inéluctable, sera peut être évité ce soir ? La aussi réside la force d’une œuvre : susciter chez le spectateur l’espoir que   le dénouement ne sera pas celui qui est prévu... il y a peut être de l’espoir,  le pire ne sera  peut être pas commis ?
 Médée est une œuvre à voir et à revoir, car dans son langage contemporain, elle cache un drame éternel. Avec intelligence, Preljocaj s’est éloigné de son original grec et la transpose presque hors du temps. Mais si on lit l’original grec, on a conscience que les héros sont finalement proches de nous… Et offrent la possibilité d’une relecture sans changer fondamentalement les données. 


Songe...

C’est un songe : on y dort au début (les enfants) on s’y endort (Médée et ses enfants)…on s’y éveille… mais s’y éveille t’on à la réalité ? N’est ce pas plutôt le songe qui s’éveille ? Et si ce qui apparaissait sur la scène n’était que le produit d’un songe ? Comme dans les armes secrètes de Cortazar, qui rêve quoi ? Qui rêve qui ? Où est la réalité ?

 un deuxième et court article est en préparation sur Médée.